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Ars et Furor, n.3 2006

Ars et Furor, n.11 2007

Ars et Furor, n.24 2010

Lo spazio della scultura

di Guglielmo Gigliotti

“È lo spazio la fonte inesauribile della mia ricerca con il quale mi confronto di continuo, con soluzioni che immagino infinite, come infinito è lo spazio.”
Salvatore Giunta

“Navigate al mio seguito, compagni aviatori, navigate nell’abissso.”
Casimir Malevic

Sculture. Le chiamano così.

Le chiameremo così anche noi.

In fondo “scultura” è solo una parola.

Come lo è “spazio”.

Solo che per “vedere” lo spazio la scultura può essere un ottimo espediente.

Espediente che s’inerpica, nelle sculture-spazio di Salvatore Giunta, in aerei ed

arcuati slanci nel vuoto, dove trova uno stato di sospensione, la soglia

impalpabile dell’equilibrio sfuggente eppur evidente. Nastri, aste e sfere,

quando in metallo quando in legno, fendono l’ambiente come morbide saette,

vi si innestano come nervature improvvisamente appalesate.

Sculture?

Forse siamo più vicini alla loro realtà se le definissimo tensioni spaziali,

traiettorie energetiche o ipotesi plastico-ambientali. Oppure se scegliessimo per

loro tre versi in formato haiku, di mano dello stesso Giunta: “Graffi nel

cielo/segnano immagini/mete lontane”.

Ciò che in loro è calibrato con esattezza e chiarezza è, per paradosso, proprio

la loro precarietà. Sembrano sul punto di sgretolarsi, implodere, se non svanire,

ma stanno lì, bloccate nella loro “scultoreità”, come fotogrammi di qualcosa

che frana (“tutto al limite della caduta”, direbbe Salvatore Giunta). Ciò che le

alleggerisce, fino a suggerire agravitazionali dimensionalità, è il loro stato di

potenziale sparizione. Si materiano, quindi, oltre che di legno e metallo, della

loro possibilità d’estinzione plastica. Se non fosse così non potrebbero fare

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all’amore con lo spazio, non potrebbero flessuosamente incarnarne i segreti.

Sarà capitato a tutti di apprezzare una scultura imponente, magari costituita

da una massa di quintali di marmo, per la sua leggerezza. La questione è che

l’oggetto plastico, per essere opera d’arte, deve paradossalmente esprimere un

senso di non-peso, ovvero costituirsi per mezzo di individuazione di quei punti

in cui la materia si converte da sola in soffio e l’ingombro passivo in vitalità

poetica. Nella scultura batte un cuore anti-scultoreo, perché essa è frutto - e

nell’arte moderna in modo ancora più evidente - di focalizzazioni di virtualità

plastiche del vuoto, espresse mediante intuizioni spaziali.

La scultura non si colloca nello spazio, lo rivela.

Lo spazio che rivela Salvatore Giunta non è lo spazio di Salvatore Giunta, non

è di sua proprietà, è spazio e basta. Salvatore Giunta compone le partiture per

farlo vibrare, ne orchestra le limpide, aperte, ariose architetture, i ritmi sinuosi,

le impreviste asimmetrie. E poi lo lascia stare, perché quello spazio esisteva

anche prima, solo che “sculturizzandosi” è andato a coincidere con lo spazio

mentale, con la mente vissuta come spazio.

L’arte è sempre un gesto mentale, è oggettivazione di potenzialità che

necessitano dell’arte per reificarsi e farsi “opera”. E’ nata proprio per questo

l’arte. Non si fa arte per andare al di là di se stessi, ma per espandere il “se

stesso” verso quei territori, poco esplorati, che al “se stesso” sono propri. Non

si tratta di voli nel fantastico, nell’impossibile, nel sogno, no; una tale

accezione è stata sempre autoriduttiva per chi se ne faceva interprete e

portatore.

“Il cranio dell’uomo è anche il cosmo”, asseriva Malevic, che nella sua mente

navigò fino a non saper più distinguere i confini tra sé e mondo, tra l’io e lo

spazio infinito. Che se veramente tale, lo spazio, come asserisce l’astrofisica,

esso non-finisce neanche quando incontra noi, bensì ci congloba, ché

altrimenti non sarebbe in-finito, ma terminerebbe a cospetto della nostra

coscienza, si fermerebbe davanti alla punta del nostro naso. Questi sono fatti

scientificamente oggettivi, non voli mistici.

Gli atomi, di per sé, non hanno nulla di poetico. Ma il sapere che, tra nucleo

atomico e orbite degli elettroni, c’è il niente, il vuoto, lo Spazio, ci fa

trasognare microscopiche infinità di cui è non-materiato anche il nostro corpo,

nonché la parte più sottile di esso, che è la mente.

E’ solo una questione di proporzioni.

La natura dello spazio non è né micro né macro, siamo noi, il nostro “noi”

culturale, a scegliere le prospettive da cui osservare tale spazio e dunque ad

eleggere scale di misura.

E per questo che ho parlato poco prima di “ipotesi” per definire le spazio-sculture

di Giunta. Tali “ipotesi” sono a-proporzionali, fluide come lo spazio-che-non-finisce

e, secondo Einstein, s’incurva pure, avvoltolandosi nel tempo, fino ad

identificarcisi.

Torniamo a Malevic.

E’ stato il primo tra i moderni ad avere avuto chiara percezione ed esperienza

di quanto si sta dicendo, e merita attenzione. A partire dal 1920 il padre del

Suprematismo e di tanta arte del Novecento, smise di dipingere. Non smise di

essere artista, iniziò solo a sondare la sua mente. Iniziò a realizzare i “Planiti”,

detti anche “Architectona”. Dall’aspetto sembrano sculture astratte d’assetto

geometrico, ma il russo li concepì come stazioni orbitali interplanetarie, come

satelliti che avrebbero dovuto galleggiare “tra la terra e la luna”. La sua pittura,

sondando le potenzialità della mente, s’era fatta utopia siderale e visione

cosmica, aveva rotto la cornice per coincidere con la spazio fisico tutto.

“Mi sono trasfigurato nello zero delle forme”, asserì nel “Manifesto del

Suprematismo” del 1915; quello “zero” si tramutò ben presto in navicella

spaziale, in veicolo per andare al di là di tutti i limiti mentali imposti,

azzerandone gli assunti e sposando il Tutto.

La fisicità del nostro essere corpo che gravita, trova oggettiva liberazione nelle

capacità progettuali della mente: l’infinito dell’arte è il più importante dei

progetti della mente.

E’ per questo che filosofi, scrittori, architetti e artisti sono ricorsi all’utopia, all’

u-topos, al luogo che non c’è, che è progetto assoluto.

Si pensi ad Antonio Sant’Elia, il visionario architetto che trovò casa nel

Futurismo e la morte - ventottenne - in guerra. La sua importanza storica

risiede negli avveniristici e anticipatori progetti di grattacieli-totem della

modernità, con tanto di “ascensori esterni, galleria, passaggio coperto, su tre

piani stradali (linea tranviaria, strade per automobili, passerella metallica) fari

e telegrafi senza fili” (come recita il titolo del disegno di un progetto del 1914);

ma fu lui il primo ad essere del tutto consapevole del portato utopistico di tali

idee. I suoi progetti, presentati anche a concorsi per stazioni ferroviarie o

chiese, non erano infatti mai corredati delle dovute planimetrie, sezioni, alzati,

e venivano puntualmente scartati.3 Un indisciplinato, un inconcludente? No,

uno che viveva del gesto mentale che espande il “sé”, proiettandolo nel futuro

per far spazio alle possibilità altrimenti sopite della coscienza. Il suo “sogno

architettonico” di una “città futurista” corrispondeva ad un relazionarsi altro

alla realtà, non era una fuga da essa. Lo si può anche chiamare “sogno”, ma

poi è solo piena consapevolezza delle effettive potenzialità affioranti nel

soggetto quando compenetra del tutto l’oggetto.

L’erede di Sant’Elia, Virgilio Marchi, fece di più in tal senso: non partecipava

proprio ai concorsi, ma disegnava conglomerati urbani d’un visionarismo

parossistico, che negavano alla radice ogni possibilità di loro realizzazione

pratica.Vertiginose strade ad andamento spiralico ed archi, volte, guglie

svettanti nel cielo della loro inutilità, animavano opere da appendere a parete

per essere contemplate. In loro era evidente il bisogno di pensare in grande,

ovvero di pensare grandi pensieri per grandi spazi, programmaticamente

esplorati da un progettista della mente intesa come città.

Non è un caso che Salvatore Giunta abbia frequentato da giovane la Facoltà

di Architettura. E che tra i corsi seguiti ci sia stato uno, condotto da Bruno

Zevi, che, a detta dello stesso Giunta, ha lasciato un segno indelebile nel suo

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personale modo di vedere e vivere lo spazio dell’architettura; ovvero il corso,

con tanto di tesina finale, concentrato sulla figura di Baldassarre Peruzzi,

architetto della Roma d’inizio ‘500, noto anche per gli illusionismi prospettici

da lui dipinti sulle pareti delle sale (soprattutto alla Farnesina), con finti

porticati aperti su paesaggi. Un “trucco”, questo del Peruzzi, per negare la

nozione di limite murario e inglobare nell’idea di architettura chiusa sue

possibilità espansive.

Che le sculture di Salvatore Giunta implichino istanze urbane è lo stesso autore

a rivelarlo. Le realizza in dimensioni medie e trasportabili, formato piedistallo

potremmo dire, ma le immagina gigantesche e talvolta anche mobili,

attraversate da uomini che le utilizzano come grandi ponti. El Lissitzky, con i

dipinti della serie “Proun” realizzati nei primi anni Venti, immaginava cose

simili: i parallelepipedi vaganti nelle astratte spazialità di quelle opere

rappresentavano i modelli di un nuovo urbanesimo, indagato in chiave fino a

quel momento solo fanta-progettuale e lirico-pittorico. Peraltro, con le

rarefatte armonie di piani, linee e volumi del russo, la concezione plastica di

Giunta sembra avere più di un debito. E se non consapevolmente col russo,

sicuramente con la cultura compositiva espressa da quella stagione

costruttivista e dai successivi esiti concretisti, da Moholy-Nagy agli italiani

Veronesi e Melotti.

La dilatazione urbana delle sculture-progetto di Giunta sorvola in taluni casi

le stesse immaginarie città, installandosi in mezzo al cielo. E’ il caso di sculture

costruite per rapportarsi agli andamenti degli astri, come monumentali

astrolabi. La verità è che una volta perforato il limite delle consuete

commisurazioni, si può andare avanti e ancora avanti. E poi, con un grande

salto, tornare indietro, a dimensioni ambientali comuni, come quelle

circoscritte da un vano con tutti gli angoli a posto fino al momento

dell’intervento immaginativo di Giunta, che quegli angoli porta, con

progressive simulazioni al computer, ad aggettare in invasive convessità, alla

stregua di architettonici blob o di anti-angoli che sculturizzano il vuoto.

E’, questa, nel suo complesso, una visione che ha una nobile tradizione.

Yves Klein, gli angoli, nella sua “Architettura d’aria”, li aveva proprio del tutto

aboliti, come d’altronde pareti e soffitti, nel loro senso comune del termine: a

segnare i limiti immateriali delle sue “abitazioni” ci avrebbero pensato potenti

getti d’aria compressa che soffiavano da fori nel terreno, o cascate d’acqua e

alte colonne di fuoco.

Un’architettura che tornava agli elementi naturali, come quella “progettata” da

Constant sul finire degli anni ’50, forgiata da rigoroso anti-funzionalismo oltre

cha da nuvole, energia, movimento, corporeità. Qualche anno prima, Joe

Colombo, in fase di piena militanza nel Movimento Nucleare, aveva realizzato

un ciclo di disegni dedicati alla “Città del futuro”: edifici sferoidali sospesi su

alti pilastri collegati da percorsi volanti lasciavano liberi i vasti spazi del vivere,

considerato che le infrastrutture tecniche (trasporto, negozi, industrie) si

collocavano sottoterra. Per Gyula Kosice, invece, tutti gli elementi

architettonici (soffitti, pareti, pilastri) non dovevano sostenersi per mezzo di

giunture, bensì tramite calibratura del campo magnetico. Era il 1946, e ad

interessarsi a questi progetti furono soprattutto fisici.

Più vicino nel tempo, tra fine anni ’60 e primi ’70, fu Francesco Somaini a

rivoluzionare i rapporti tra scultura e città, intesa come dimensione di un

rinnovato vivere. Vi dedicò un libro (“Urgenza nella città”, scritto a due mani

con Enrico Crispolti, ed edito da Mazzotta nel 1972) e numerosi progetti a base

di disegni e spettacolari fotomontaggi, come quelli realizzati per una radicale

riscrittura urbana di Duisburg, in Germania. Non si trattava di collocare

sculture all’aperto, ma di modificare alla radice la nozione plastico-ambientale

degli spazi umani, in cui il volume-edificio e il tracciato-strada venivano a

risolversi in chiave scultorea.

La scultura, o la pittura e la stessa architettura, in questi autori elencati e infine

per Salvatore Giunta, vale come pretesto, come rampa di lancio per proiezioni

intellettuali che hanno come schermo lo spazio. Pure i celebri “buchi” o “tagli”

di Fontana, da lui, fondatore dello Spazialismo, significativamente titolati

“Concetti spaziali”, valevano come risultato della percezione della problematica

artistica come questione squisitamente spaziale. Anche quelle perforazioni

erano espedienti illusivi, “ipotesi” destinate a scardinare lo spazio statico della

tela al fine di evocare spazi altri, finanche cosmici: lo spazio cosmico è

effettivamente rappresentabile solo in chiave di concetto.

Un’affine lirica concettualità è alla base pure degli aerei incurvamenti plastici

di Giunta che così li descrive: ”I piani sghembi si inseguono, si intersecano, si

parlano come in un canto che vorrei iniziato sottovoce, ma che poi passa di

bocca in bocca, di casa in casa, di città in città. Fino a diventare il canto dello

spazio.”

Canto. Musica. Suono. A parlare di sculture-spazio sembra di fatto inevitabile

toccare il mondo delle onde sonore, che proprio nello spazio si espandono. Per

Salvatore Giunta le sue sculture dovrebbero valere, almeno in chiave per adesso

solo progettuale, anche come congegni emettitori di suoni, per mezzo di urto

e sfregamento di elementi delle stesse. E’ il rumore della scultura, sua

estensione libera e immateriale, che àncora vieppiù l’oggetto plastico allo

spazio. E’ plastica fono-ambientale, con articolazioni che manifestano già nel

loro conformarsi linearistico, impostato alla leggiadria, una congenita

“musicalità”.

Si parla di vibrazioni, e si usa per convenzione e convenienza, come detto

all’inizio, la terminologia scultorea. La verità è che le tematiche e le sensibilità

evocate dalle “cose” concepite da Salvatore Giunta riguardano sfere della

percezione che risultano necessariamente trasversali agli usuali ordinamenti

concettuali del discorrere. Diciamo pure che li fanno saltare, come una punta

di spillo che fa esplodere un pallone pieno d’aria.

Ciò vale anche per i confini tra le discipline artistiche: scultura, pittura,

architettura trovano nell’ideologia spaziale, e in una sua configurazione

progettuale, la loro sintesi.

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E’ per questo che si è voluto presentare nell’attuale mostra anche gli acrilici su

carta realizzati da Giunta tra una scultura e un’altra. La loro parentela con i

lavori tridimensionali è evidente. Anche sul piano a farla da padrona è la curva,

stesa ad ampi gesti. E poi più nulla, ovvero nulla di segnico, perché il resto è

solo spazio.

Ma ancora lui, lo spazio, è il protagonista di un’ulteriore versante della

creatività giuntiana, i libri d’artista. Ne ha realizzati, a partire dagli anni

Ottanta, una quindicina. Libri da non-leggere, ma da guardare, toccare,

gustare, libri-opera che ricorrono al formato libro per celare pagine di segni da

sfogliare: pochi, essenziali segni, tracce di colore, minimali collage che si

caricano di poesia per il loro dialogo con le ampie zonature lasciate libere,

lasciate spazio. Anche in questo caso si dovrebbe/potrebbe parlare di fondo, di

superfici su cui viene a depositarsi il segno, ma è spazio, e come tale è fattore

costitutivo dell’immagine, forse suo fondamento, non certo sua cornice.

Un’ultima sorpresa ancora: lo spazio della pagina si fa acqua.

Avviene in una serie di “Libri d’acqua” realizzati da Giunta.

L’acqua è quella chiusa in sottili buste in plastica trasparente, il “testo” è

subacqueo, galleggia nel fluido ed è costituito da vaganti lettere alfabetiche,

frammenti di ricamo, fotografie, piccoli elementi geometrici.

Non c’è da sorprendersi: se la scultura si fa spazio, il libro può farsi

tranquillamente acqua. E’ il mondo poetico della mente che non rispetta criteri

funzionali e categorie oggettuali. L’arte è per sua natura irragionevole, che a

voler ragionare si rischia di non poter credere che una scultura possa farsi volo.

1 Tutte le dichiarazioni di Salvatore Giunta riportate in questo testo sono tratte da:

A. Veneziani, Intervista a Salvatore Giunta, in “Colloquidarte”, Edizioni Ianuarte, Roma 2004.

2 C. Malevic, Il Suprematismo, testo pubblicato nel catalogo della X Mostra di Stato:

Creazione non-oggettiva e suprematismo, inaugurata a Mosca nella primavera 1919.

3 cfr. G. Di Genova, Storia dell’arte italiana del ‘900 – Generazione maestri storici, tomo I,

pp. 258-266, Edizioni Bora, Bologna 1993.

Ars et Furor

Salvatore Giunta - Il funambolo della scultura

di Bruna Condoleo

Salvatore Giunta con Giulio Bargellini, fondatore del MAGI - Pieve di Cento

Da oltre 35 anni Salvatore Giunta ricerca e sperimenta nel campo delle arti

con un desiderio precipuo: captare la forma nel suo valore intrinseco,

individuarne gli elementi costitutivi, svelarne le armonie, i rimandi simbolici, le

aggregazioni psichiche. L'amore per la forma lo porta, fin dagli anni '70, a

prediligere la scultura come mezzo espressivo capace di tradurre idee ed

emozioni connesse con il concetto della spazialità, sia attraverso le grandi

dimensioni ed i materiali classici, come il bronzo, il legno e la ceramica, sia

attraverso i piccoli formati ed i materiali meno consueti, come il ferro od il

poliestere.

Arp, Brancusi e Moore sono i riferimenti tradizionali per la cultura artistica di

Giunta fino agli anni '80, quando le sue opere, grandi totem di gusto

arcaicizzante, fanno trapelare un interesse architettonico, del resto mai sopito:

poi inizia un lungo periodo di riflessione sulle forme nello spazio, sul loro

equilibrio e sul loro rapporto, una ricerca originale che lo conduce anche ad

affrontare il problema dell'opera scultorea nell'ambiente, del suo inserimento

nella natura, della sua vita mai autonoma, bensì in stretta simbiosi con l'aria,

la luce, la terra e l'acqua.

Le sculture di Giunta propongono sempre un equilibrio “al limite”, le forme

plastiche suggeriscono l'esistenza di uno spazio ambiguo quanto indefinito,

dove il “precario”, a livello percettivo ed emotivo, vince sullo “stabile” e sulla

solidità. Elementi rettilinei si incrociano con curve e sfere, ricercando una

stabilità improbabile: ellissi, mezzi archi, cerchi che non si chiudono,

Equilibrio provvisorio, s'intrecciano in danze armoniose, si tendono in sottili opposizioni,

oppure sono lamelle parallele, in allumino o acciaio, che si inseguono nello spazio,

sospinte verticalmente e vibranti sotto i riflessi della luce. L'impressione è che questi

oggetti spaziali, o meglio concetti plastici, studiati con cura, levigati e resi

perfetti, composti in equilibri provvisori, anelanti verso l'infinito, alludano a

stati d'animo contrapposti: certezze e dubbi, solidità e precarietà, essere e

divenire, gli eterni dilemmi dell'esistere.

Senza mai ricorrere alla figurazione ed all'esplicito, Giunta mostra di

prediligere, fin dai suoi esordi nel lontano '69, i linguaggi di artisti come Paul

Cézanne, per l'essenzialità geometrica della forma o come Piet Mondrian, per

la perfezione ed il rigore matematico della composizione e di orientarsi verso

un'astrazione, da sempre più consona alla propria sensibilità estetica.

Dal 3 giugno 2006 a Pieve di Cento, presso il MAGI ‘900, (museo- artegenerazioni

italiane), nato sei anni fa e da poco rinnovato, nella sala "Ospiti",

destinata a mostre contemporanee, Salvatore Giunta esporrà sculture recenti,

opere grafiche e tavole di elaborazioni al computer, ove, al di là del concetto

spaziale, filo conduttore potrebbe definirsi la leggerezza dei volumi.

Impegnato da tempo in un discorso sulla "sofficità" della materia, per cui ha

effettuato rielaborazioni grafiche di grande raffinatezza cromatica sul tema

delle nuvole, in questa personale emiliana, intitolata “Lo spazio della scultura”,

l'artista elabora un discorso sul dinamismo, uno degli aspetti prevalenti

dell'arte di Giunta, matematico della forma che sa intridere di lirica intensità le

proprie composizioni.

Una tensione di ordine mentale e psichico si crea in quelle sfere che scivolano

su piani inclinati, nel tentativo utopistico di non precipitare nel nulla. In quei

ritmi contrapposti di linee e di forme, destinate a non incontrarsi mai, nelle

sospensioni dinamiche dei volumi che indicano la profondità dello spazio ed

evocano attese, possibili mutamenti, assetti diversi, c'è tutta la sostanza

profonda di un artista, istintivamente e coscientemente attratto dal rigore

dell'astrazione e dal'assoluta purezza della forma plastica.

Dopo aver frequentato la facoltà di Architettura ed essersi diplomato in

Scenografia, Salvatore Giunta inizia la sua carriera artistica nel '69, con una

personale presso il Palazzo delle Esposizioni, in Roma e da allora non

interrompe mai l'attività di pittore e scultore. Poliedrico nella creatività, Giunta

si è interessato con successo della scenografia teatrale, della cinematografia

sperimentale, dell'ideazione di “libri d'artista”, ove ha ottenuto riconoscimenti

di prestigio, finanche della medaglistica, realizzando sculture-trofeo per premi

letterari e per celebrazioni storiche. Nato a Roma nel '43, già docente di

Discipline Plastiche al Liceo Artistico, Salvatore Giunta vive nella Capitale.

L'attuale mostra, dal titolo “Lo spazio della scultura”, da cui sono tratte le

opere, è visibile presso il MAGI ‘900, a Pieve di Cento (Bo), fino al 25/06

2006. Catalogo Beniamini Group.

(info@magi900.com-www.magi900.com)

Pianeta Arte - Incontri

I piani sghembi della scultura per Salvatore Giunta,

artista, scultore

M.P. Michiel+Livio Garbuglia. In questi giorni è stata inaugurata al Museo delle

Generazioni del ‘900 di Pieve di Cento la tua ultima mostra dal titolo “Lo spazio della

scultura”. Quali sono le ragioni del titolo e della relazione tra, appunto, lo spazio e la tua

scultura?

Salvatore Giunta. La mia ricerca artistica ha come soggetto lo spazio in relazione con

ciò che possiamo definire per convenzione, “scultura” (oggetto tridimensionale) con

l’obiettivo di modificare il concetto plastico-ambientale degli spazi umani per una

migliore qualità del vivere. Da qui nasce la presentazione al catalogo di Guglielmo

Gigliotti per la mia mostra dal titolo “Lo spazio della scultura” nella quale Gigliotti prende

in considerazione lo spazio fisico e lo spazio mentale ripercorrendo le posizioni dei

movimenti artistici nonché le mie scelte.

M.P.M.+L.G. L’ispirazione delle tue spazio-sculture sono un processo solo mentale

astratto o sono ispirate dall’osservazione di qualcosa in particolare?

Salvatore Giunta. L’attività artistica non può prescindere dall’attenzione all’uomo dalla

sua componente esistenziale, come non può essere indifferente a quanto ci circonda in

natura. Si innesca, così, un processo mentale creativo che si integra e interferisce con la

nostra vita. L’opera è riflessione, ricerca; nel mio caso, le “invenzioni strutturali” sono in

relazione allo spazio con il quale “giuoco” ricercando soluzioni molteplici.

M.P.M.+L.G. La pulizia delle linee delle tue creazioni fanno pensare ad un momento

condiviso da tutta l’avanguardia europea e non dei primi del Novecento. In che cosa,

invece, si differenzia la tua ricerca contemporanea?

Salvatore Giunta. Le radici culturali sono da individuare nei movimenti artistici dei

primi del Novecento, nel loro significato, nel voler scardinare schemi prefissati,

proponendo possibilità infinite all’esprimersi, nel comunicare il pensiero, nell’incidere sui

comportamenti. La ricerca che conduco si basa su segni essenziali collocati o proiettati

nello spazio suggerendo quasi una virtualità plastica in cui la destrutturazione non è un

concetto assente.

M.P.M.+L.G. Queste opere sono tutte al limite della caduta, bloccate nella creazione un

attimo prima che l’equilibrio si rompa: credi di non aver raggiunto la comunicazione delle

tue intenzioni se l’osservatore fosse tentato di immaginare cosa accadrebbe se l’equilibrio

si rompesse?

Salvatore Giunta. L’osservatore deve interagire con la asimmetria, la precarietà, lo

smantellamento del baricentro, in poche parole, con una scultura liberata dal concetto di

massa-volume. Proprio in questi giorni ho iniziato ad affrontare il progetto per una

installazione in cui gli elementi percettivi coinvolgeranno emotivamente l’osservatore.

Una sinfonia di segni minimali galleggianti con la volontà di fluidificare lo spazio

M.P.M.+L.G. Le hai titolate “Bilico”, “Euritmia”, “Equilibrio provvisorio”, “Oscillando”,

“Slittamento” tanto che potrebbero riferirsi soltanto a delle dinamiche prettamente

meccaniche di oggetti inanimati come lo sono le macchine: allora dove è presente

l’uomo, se lo è, nelle tue opere?

Salvatore Giunta. Non credo che vi possa essere arte se non quella rivolta all’uomo.

Riprova ne è il recente Festival della Filosofia tenutosi a Roma che ha affrontato il tema

della instabilità. Si è discusso sulla responsabilità delle scelte dei vari saperi in un mondo

sempre più segnato, appunto, dall’instabilità e dall’incertezza. Quindi, i miei piani

sghembi, il mettere in giuoco i concetti di peso e di equilibrio mi sembra non prescindano

dall’uomo né dalla sua condizione esistenziale.

M.P.M.+L.G. L’osservazione delle tue sculture, ispira una tensione emozionale dovuta

soprattutto all’equilibrio instabilmente perpetuo: in relazione a questa sensazione è

possibile accostare una tua spazio-scultura ad una scultura del passato che richiami

quella stessa impressione?

Salvatore Giunta. In prima battuta mi vene da rispondere che i riferimenti li trovo nei

molti ambiti della Natura, nelle architetture del mondo vegetale e di quello animale; se

vogliamo riferirci al segno dell’uomo a come un artista si sia confrontato con lo spazio,

allora mi vengono in mente le soluzioni di alcuni Maestri di fine XII secolo, gli acquarelli

cinesi, la Pietà di Niccolò dell’Arca, la Parabola dei ciechi di Brueghel il gruppo del

Laocoonte, la porta di San Zeno a Verona, l’Apollo e Dafne del Bernini, la soluzione

borrominiana della cupola di Sant’Ivo alla Sapienza. Tutte soluzioni che presentano

tensioni, un segno in fuga, in sospensione; opere che posseggono quell’astrazione dal

reale in cui, segno e spazio si intrecciano rendendo impossibile identificare chi sia il

soggetto principale: il segno o lo spazio?

M.P.M.+L.G. Grazie a Salvatore Giunta, artista, scultore.